{{ 貳. 談談電吉他相關 }}_07
關於『破音』類效果器,應該是電吉他手在解決了吉他、音箱這些基本必要器材配備之後,下一個一定會要關心、但一輩子都始終缺一顆的無間地獄課題了!最困難的是:在入手之前,你永遠都不知道現在入手的這一顆破音效果器是不是就是自己夢寐以求的那一顆 --- 而且有很高的機率,在入手不用太久的時間之後,你就會覺得好像另外一顆才是真正接近自己想要的那個音色 …… 然後重複這個掙扎的迴圈,難脫苦海。
『為什麼別人的破音總是比我自己調出來的好聽?』
施主~那是有原因的。
[二. 電吉他相關器材研討]_05
想要調校出適合自己、聽者也會喜歡的破音音色,可能首先就要先理解『破音』的生成原理與歷史沿革;『維基百科』的這一篇,雖然只是點到為止、包羅萬象型的概略說明,但對於『Overdrive』與『Distortion』這兩種不容易界定的音色,在構成原理上,有著淺顯易懂的解釋:https://zh.wikipedia.org/wiki/%E6%95%88%E6%9E%9C%E5%99%A8 (當然,如果你願意更深入去理解,以我自己 Google 過的資訊經驗來說,現存的中外網頁內容,應該是相當足夠的)。
然後,我們可以開始思考『好聽的破音』被建構起來的器材組合方式。以我自己的工作經驗,我覺得最好聽的破音,是單純由音箱頭 Drive Channel 前級『塑型』、夠大聲的真空管後級加添的自然泛音所形成的 --- 不論是 Low Gain 或 High Gain;但這麼美好的條件往往不存在於我們的日常生活中,所以,一些對於破音『效果器』的認知,似乎是非常必要的。
我個人認為要能組合、調校出好聽破音的三大關鍵因素,第一,你得先調好『用來搭載破音』的『基礎聲音平台』--- 你正在使用的音箱。在工作的場合中,如果我需要用到場地所提供的音箱 (事實上,這應該是非常常見的狀態),在接上我的效果器之前,我習慣先把吉他直接接進音箱,將 Clean Channel 調整到各區段的頻率都很適中的狀態 --- 我需要一個平整的聲音平台 (雖然這個平台可能比較沒有個性),才能讓我的破音類效果器做出比較客觀的反應。
而我在破音的音色取向上,非常喜歡用『推疊』的方式 ( Stacking,這裡有看不完的資訊:https://www.google.com/search?q=overdrive+stacking+order&oq=Overdrive+stack&aqs=chrome.2.69i57j0l5.16781j0j8&sourceid=chrome&ie=UTF-8 ) --- 也就是用『較稀薄』的破音去『推擠』『較厚重』的破音,因此,我習慣將破音分為幾種類型:
A. Gain Booster:這可能是我最喜歡研究的破音類型!一般說來,因為它會去『推擠』後面的其他破音,所以,在這一段的破音程度,幾乎只會用到一點微破的狀態,而這個『微破』的音色,剛好可以為原本很平整而缺乏聲音個性的『平台』,帶來一個清楚的音色、頻率色彩。另外一個重點,是這個器材的 Drive,要能夠非常有『透明感』--- 我在判斷一顆破音是否適合用做 Gain Booster 時,都是將效果器上的破音程度關到接近零、而只用音量、音色旋鈕去作動,來看看它與不啟動時,吉他與音箱原音的差距。許多討論會談到用 Ibanez TS 系列 (https://en.wikipedia.org/wiki/Ibanez_Tube_Screamer ) 來執行這樣的工作,但我覺得 Ibanez TS 比較適合去推動原本就已經是 Mid Gain 以上的 Drive Channel、而不是那麼適合用在 Clean Channel 的染色,因為從我的主觀來說,它並不是那麼『透明』的質地。
B. Overdrive:這是我用來處理 Low gain、Mid Gain 的區段,同樣的,我會很希望這一段的 Drive 要能夠有足夠的『透明感』--- 我會將各廠牌不同型號的效果器 Drive 鈕置中,用分解和絃的彈奏方式,來相互比較每一個音符彼此之間的『黏度』,以及是否還能聽到琴弦本身的聲音來判斷是否適合現在的琴與音箱的搭配,同時也會將放在前面的 Gain Booster 啓動,來看看在較為增益的破音程度下,琴音是否還能維持『顆粒感』。對我來說,『Overdrive』是比較八〇、九〇年代的色彩,而我也是聽著那些年代的音樂同步成長的,所以,這個區段的破音色彩,很自然成為我主要的音色骨幹。
C. Distortion:由於這些年各家廠牌在市場上的競爭,造就了許多新穎的 Drive 音色產出,對我來說,『Distortion』就比較偏向九〇年代之後的聲音,而我也習慣用這個類型的破音來處理 High Gain 範圍的音色。在這個區段,我就會比較著眼在『音色的個性』而不是『透明度』--- 但因為我放在前面的破音族群都是相當『透明』的色系,所以,即便我把這三種破音都一起啓動,整體的音色只會個性更濃烈,而不會『糊』成一團。
這其實就牽涉到調整好聽破音的第二個關鍵因素:不要把效果器上的破音程度開到那麼大!如果你希望你的破音要聽起來很有『迫力』,很有趣的是,不是將破音程度催大,而是要鍛鍊你右手 Picking 的力道,而且還要能保留些許琴弦的『原音』,以及!你應該要注意的細節,其實是 Picking 的那隻手手掌所控制的『悶音』(Muting) --- 通常,那才是音色能夠表現『迫力』的重要技巧。
D. Fuzz:這是我用來處理 Solo 時的主要音色,而且,多年前在接受我的同窗好友林正如先生的指導之下,我已經非常習慣將 Fuzz 放在 Overdrive 的前面,來讓 Solo 的音色,能從 Overdrive 的顆粒感做到 Solo 旋律時所需要的『黏合感』。這樣的置放順序其實其來有自,如果你的確研究了一下破音效果器的發展沿革,就會知道 Fuzz 這個非常早期就開發出來的『怪異音色』,其核心驅動所使用的『鍺晶體』,對於溫度以及訊號的『阻抗』非常敏感,因此,將 Fuzz 放在最接近吉他訊號輸出的位置,比較能表現 Fuzz 濃濁厚重的音色特性;而另外一個優點是:當 Fuzz 放在 Overdrive 的前面、兩者都啓動時,將吉他上的音量鈕略為收小 (Clean up),你會得到一種非常清脆透亮的微破音色 --- 那是任何一種單獨的 Gain Booster 或 Overdrive 都無法做到的美妙音色!
而這裡,又牽涉到調整好聽破音的第三個關鍵因素:善用你吉他上的音量鈕!如果你看過真正的吉他高手彈奏吉他,幾乎每一位都會在彈奏的過程中不斷調整吉他的音量鈕與音色鈕,這除了因為音樂的動態所做的音色調整之外,你可能很難想像為什麼這些高手好像只用了一、兩顆破音,卻能讓整體吉他的破音有著那麼豐富的層次表現 --- 這一直要到你自己去實際試過吉他音量變化對於 Fuzz 類,或是也用了鍺晶體的 Overdrive 類可以造成的音色變化,你才能領略箇中奧妙。
另外可以一提的是:這幾年我所聽到國內、外很酷的樂團吉他手所設計的吉他音色,非常高的比例,他們的核心 Drive 音色,是用 Fuzz 來思考、而不是以 Overdrive 或 Distortion 來出發 --- 也許,這也可以看做是另外一種歷史循環吧?因為,Fuzz 其實應該是很讓人回想起六〇末、七〇年代的那種氛圍的。
E. Clean Booster:這通常被用做音量的放大,在 Solo 時,你應該會很需要用這個器材來讓聽眾聽到你來自靈魂的吶喊吧!
以上的分類,我在訊號串接的順序會是:Guitar → Fuzz → Gain Booster → Overdrive → Distortion → Clean Booster → Amp Head Clean Channel。這樣的接法,當然只是我個人的習慣;而如果我需要去處理到更為現代、更為極限的破音時,我會在整個 Drive 系列的後面加掛一顆略為削去中頻、加強了低頻與高頻的 EQ 效果器 --- 也就是說,在一般的狀態下,我其實不會把我的破音系調成太過極限的樣貌,而用 EQ 效果器視情況來選擇性改變原本的破音調性。
以我的主要商演器材為例,我的 Fuzz 是使用了 Valeton Red Haze 與 J. Rockett WTF fuzz;前者是比較接近 Fuzz Face 線路設計的傳統 Vintage 風格,後者就是比較現代音色、修正了阻抗反應的近代 Fuzz 產品。在 Overdrive 方面,我選用的是 Carl Martin PlexiTone,這是我覺得非常接近 Marshall 音箱 Drive Channel 的傑出產品;但我請『麥歐西音頻』的鍾孟宏先生,將原本的線路順序做了修改,因此,我可以將它原本放置在最後一個位置的 Booster 改成我的 Gain Booster,而在同一個機體上,我還可以有兩組 Drive 來做為我的 Low Gain 與 Mid Gain。後面接的是 Wampler Pinnacle Deluxe Distortion,它不但有 Vintage、Modern 兩種風格的選擇,還可以有 High Gain、More High Gain 的選項,來處理多種組合的 Distortion 音色。整個線路的最後,是用 Carl Martin Hydra Boost 做為 Clean Booster,讓我的 Solo 音量能夠有足夠的提升。而我所需要的 EQ 效果器,是使用 Zoom G3X 裡的數位式 EQ,以節省整個效果器盤中最珍貴的『擺放空間』。
這些器材都只是符合我個人音色喜好,同時,能處理大多數的業務需求,以及~~~能順利收進一個效果器攜行箱的選擇。其實,在經過了許多年、許多器材來來去去以及不斷調校的實務經驗後,我必須很誠實的說:到了最後,不論你用了什麼器材組合,你會發現,你的耳朵會定義你自己的音色,因此,再怎麼不同的器材,你還是會調成同一種、你自己喜歡的那個音色。
一種『Tone 在手上』的結論。
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{{ 參. 談談編曲實務經驗 }}_07
在上一週的文章後記2. 所轉貼的『旋律/時間』高等示範:https://www.youtube.com/watch?v=V5tUM5aLHPA ,其實在開口的第一句話:『We love patterns!』,就已經揭露了古典賦格音樂寫作技法的奧義:將動機或是樂句視為一個一個的『模式』,真的像是在玩樂高積木一般,將這些模式在不同的時間點、音域範圍做巧妙的組合;然後用精緻的動畫,來將這些原本只能『聆賞』的音樂,轉化為視覺可以協助理解的時間軸橫向移動,來讓我們看得到這些『模式』的結構,是如何交織成音樂的『織地』(Texture, https://zh.wikipedia.org/wiki/%E7%B9%94%E9%AB%94_(%E9%9F%B3%E6%A8%82) )。
我真希望我在高二、高三看著『基礎樂理』那些刁鑽的火星文字時,就已經能夠有像前列的Youtube連結,來讓我更快瞭解音樂運作的基本法則!
我的青春歲月已然錯失了…但年輕的你,可千萬要好好珍惜網路上所為你展示的學習路徑啊!因為這種知識與經驗太寶貴了,所以,我們還要再舉一個例子:且先讓我們看一下Cameron Carpenter這位年輕的管風琴(Organ)演奏家(https://en.wikipedia.org/wiki/Cameron_Carpenter )所彈奏的巴哈G小調賦格: https://www.youtube.com/watch?v=LVKsTQpjKEM 。
是不是很驚人!除了正面四層的琴鍵之外,在他腳下的低音Pedal同樣也能擔負旋律演奏的功能,當樂曲的『織地』最密集的時候,他的四肢可以同時處理到四條的旋律線的流動(特別請注意看他單掌手指跨上下層鍵盤的彈奏技巧)!但是……即便我們已經親眼看到了演奏家的示範,其實我們對於音樂的感知,還是大約只能模糊地感覺到一些『Pattern』似乎有重複地出現、然後有一堆複雜的音階連接著、然後……就沒有了。
你如果對於這一類的曲目無法建立記憶的資訊,其實很正常!畢竟,我們並不是受過嚴格古典音樂訓練的科班學生;但,就是會有熱心公益的Youtuber,將這些難以實際掌握的音樂訊息,用清晰的視覺訊號呈現出來了: https://www.youtube.com/watch?v=4WhPUqpaRp4 。我非常喜歡這個版本的視覺呈現,它除了用不同顏色來標定四條旋律線的樂句行止與相互關係,它還有一個小小的動畫效果來幫助理解每一條旋律線在做音程大跳轉換時的『連接印象』,這對於幫助我們來理解這麼複雜的音樂內容,實在有很大的幫助。整個曲子從一條主題旋律線開始,大約10秒之後,第二個聲部下轉五度摹仿了主題旋律、而原本的聲部開始去做主題旋律的對位和聲,在接下來的兩聲部寫作,具體而微地呈現了『時間』上的對比:當第二聲部做十六分音符的旋律訴說時,第一聲部用了二分音符的長度來『對比』,而當第一聲部開始轉成十六分音符時,第二聲部用了四分音符來摹仿第一聲部在前面的對位動機,而後兩個聲部漸次移動到較高的音域,來讓第三個聲部可以用低八度音的域區再次重複主題旋律線。
其實到這邊,我們這些試圖要從古典音樂去學習通俗音樂的尋寶者,應該已經挖到了我們的第一個寶藏!
[二. 關於編曲可以想想的幾件事_04] ~時間_04//和絃_01
我們粗淺的音樂知識知道:單一的聲線可以稱之為『旋律』,兩條的聲線可以建構起『和聲』,而當有三個聲線同時存在時,我們可以開始去定義『和絃』。幾乎所有的吉他教材在討論到和絃的組成時,一定都是從『基本三和絃是由三個音所組成,它包括了主音(或根音)、往上的三度音以及五度音』開始,我在剛開始學習吉他時,也是照著這個公式、口訣,去努力背誦一個調裡的七個基本三和絃的所有組成音;但當我看著那種有載明旋律簡譜與和絃提示的曲例時,我就有一事不明:『這個小節…它告訴我要彈C和絃,可是旋律卻有唱到2或是6……,它就不是1、3、5啊!為什麼可以彈C和絃?』你可能很難想像在民國七十五年前後,一個高中生熱愛著吉他、卻完全無法理解這其中矛盾的那種痛苦!一直到我快要把基礎樂理翻爛掉的某個時刻,我忽然意識到:『可是,旋律是流動的啊!如果旋律在唱2的時候,我不要去彈3、而變成彈1、2、5,或者等旋律的2唱過去之後我再彈1、3、5…這應該行得通吧?只是……那個譜記,好像不能只單純叫做可以彈C和絃吧?它好像會多出來一些什麼……』。
當時的我並不知道,隨著譜記所『框定』的一個小節裡,隨著旋律線音高的變化,其實那些『基本和絃』一直都在變動它的組成音而形成『許多的和絃在一個小節裡,只是它整體而言呈現了那個基本和絃的大塊色彩』的現象。所以,在一個標定為C和絃的小節,在那個『固定時間』內它可能隨時轉化成Cadd9、Csus2、Cmaj9、C79,甚至Cm79,甚至G/C!
因為,三個組成音的『和絃』,它只是三條旋律聲線在某個特定時間點的『瞬間快照』而已,隨著三條(或更多)的聲線流動,其實和絃的意涵與色彩,會隨著時間而有著多樣且自由的呈現、組合方式。
那代表什麼?或者說,那對於『編曲』來說有什麼意義?
讓我們冷靜想一件事:編曲是為什麼而存在?在現今的音樂分工下,應該是為了『那個已經存在的旋律線』而開始的吧?所以,我如果要為『已經存在的旋律線』來設計和絃,我其實是在編寫另外兩條(或以上)的旋律線條吧?
是的!你需要去『編寫』其他的旋律線條,讓那些旋律線條去交織成和絃的聲響---請千萬、一定要注意這個順序!是針對那條已經存在的旋律線去寫作其他的聲線而形成和絃。
不是『拿既定的和絃去套在那條旋律上面』!不是!
在這裡必須要先岔開一條路去討論一種真實存在的音樂現象:有許多很棒的西洋音樂,它聽起來就像是一個重複的和絃進行,然後把旋律寫在上面,譬如Coldplay的『Yellow』A段(https://www.youtube.com/watch?v=yKNxeF4KMsY ),或Radiohead的Creep全曲(https://www.youtube.com/watch?v=XFkzRNyygfk ),根本就是四個和絃反覆到底!那又怎麼說?這其實關係到西洋音樂的根底之於古典音樂,他們的思維是從『Pattern』的概念開始,而他們的音樂寫作也的確常常從和絃的Pattern進行開始,在這個時候,和絃進行成了『第一聲部的旋律』,而人聲旋律反而成為『另外寫出來』的聲線。這是一種『作曲』的手法,效能好或不好…很見仁見智,以我自己的觀察,西方人從Pattern式的和絃進行去寫旋律的效果明顯比東方人要好,因為那本來就是他們的文化血液、基因。
回到主題,那麼,另外編寫的兩條(或以上)聲線應該如何去執行呢?這得要回到人類的聽覺能力:以一個沒有受過嚴格音樂訓練的聽眾來說,不論給他什麼樣的音樂型態,我是說從簡單的民謠一直到結構嚴謹複雜的古典交響樂曲,他最容易聽得到、分辨得出來的音樂內容,只有兩條線:最高的那一條與最低的那一條;而在音樂學習的過程中,我們習慣將主旋律當成是『最高的那一個線條』(時至今日,也許應該修改成『最突出的那一條』),所以,顯而易見的,編曲者在確認了主旋律線條之後,下一步要編寫的,絕對是低音部的線條。
上面曾經提到的『它整體而言呈現了那個基本和絃的大塊色彩』,這個整體的大塊色彩,其實就來自你所決定的低音---或者通俗地說:你決定的根音。請再回頭看看挖到第一個寶藏前的兩聲部的編寫基本運作法則,沒有人告訴你根音只能彈長音或八分音符或什麼的,它其實是可以做為主旋律的對位,它可以很綿長、也可以很流動,關鍵是它與主旋律之間形成的『對比』,而且,它沒有被規定一個小節換一次!
我喜歡今天所轉貼音樂視覺化影片的另外一個重要原因是:它根本沒有小節線!
小節線(https://zh.wikipedia.org/wiki/%E5%B0%8F%E8%8A%82 )最起初的功能,只是方便音樂家在溝通或演奏過程中容易標定位置的一種記號,但,我的觀察,現在許多的年輕音樂工作者…也許因為電腦編曲軟體的普及化,對於音樂的理解與認知,幾乎是建立在一種僵化的小節概念之上,它產生的問題是:旋律寫作的本身不是來自於旋律自己該有的呼吸長度,而受限於『如果不是乖乖的四拍或三拍或6/8拍的小節長度,好像會怪怪的……』的那種不安全感,所以,也許某一句旋律它只需要五拍或七拍就可以講完重點,可是因為那樣的不安全感,就覺得一定要補完足夠的制式拍分,而讓音樂變得拖泥帶水、缺乏自然的生氣與律動感。而這種現象往往會被搭配著『拿既定和絃去套旋律』成為一種編曲套餐來食用,這樣的思維所生產出來的編曲,往往只會給人一種千篇一律而缺乏驚喜的感受,以『用音樂說故事』來感動聽眾的角度來說,恐怕不是太高明的方式。
而如果你寫就了一個很好的低音線條,讓音樂中的主旋律得到一個很好的、有呼吸感的低音支持,我覺得這個編曲已經成功了一半!但,真正考驗編曲優劣與否的關鍵,現在才要開始。
當我們有了最高的、最低的兩條聲線後,接下來所編寫的、用來充填、定義和絃真正結構的,統稱為內聲部(https://baike.baidu.com/item/%E5%A3%B0%E9%83%A8%E5%86%99%E4%BD%9C ),在此,請容我引述臺灣流行音樂的錄音開路先鋒、前麗風錄音室老闆徐崇憲先生的部落格文章:『我曾經說過,在一首歌曲中, 高音像皮膚,低音像骨架, 中音則像肌肉, 三者均衡當然最好, 如果不均衡, 則中音不足是最難聽的; 弦樂四重奏裡的中提琴和第二小提琴, 也就是在一般歌曲裡的"內聲部",我感覺常受到忽視, 包括編曲和錄音都是如此, 尤其是初入行者』(http://qkhsu.pixnet.net/blog/post/97205466-%E5%85%A7%E8%81%B2%E9%83%A8%E5%B8%B8%E5%8F%97%E5%88%B0%E5%BF%BD%E8%A6%96 )。有道是『聽不見的最重要』!這句話是在說:普通人耳的聽覺雖然只能分辨兩個線條,但對於那些『不易分辨』、『聽不太出來』的音樂內部織地,還是可以感受得到飽實與否;設計得不好的內聲部,即便用了再多的線條、再昂貴的樂音,聽起來還是會覺得雜亂、混濁或空洞、無趣。反之,設計得宜的內聲部,往往與主旋律會取得非常好的度數距離,即便只寫了很簡單的用音,也能讓音樂的張力非常扎實。也就是說,我們在思考編曲的概念,其實就是在指定完低音之後,如何有效地寫出位於中間地帶的其他旋律聲線,來使整個音樂的聲響達到飽和的流動感。
但是,還記得我們在『時間_01』文章中說過:『音樂在能量的呈現上,還有一種觀測的表述:【開展】與【收斂】』?所謂的『聲響達到飽和的流動感』並不是指讓音樂一直停留在飽和的狀態,它永遠是一種對比,有的時候你要讓和絃的感受很『窄』,有時候你要讓它很『寬』,來構成能量的收斂、開展;它之所以可以被這樣操作,其實就是來自於低音線條可以寫到多低、內聲部線條會與主旋律拉得多開來決定的。
而因為這些都是流動的線條,它們所『快照』出來的和絃結構是可以很自由的,甚至,這些『被構成』的和絃出現時間點,也可以被設計在特定的位置;而在『什麼時間點』變換了和絃,其實,它也就影響了『重音』出現的位置,而這個動作,同一個時間也代表了律動感的好壞,也就是我們常常說的『Groove好不好』的關鍵!
因為,這一切的元素,都與時間感息息相關!
這一篇文字主要是希望對於『使用和絃感到苦惱』的編曲者,能提供從不同的角度切入理解音樂建構的想法。就如同我很反對『盒框式和絃』的記憶、用法一樣,我期待我們能從旋律的面向來重新思考和絃的意義,也因此而找到定義和絃的新看法;而關於『Groove』的問題,我們就留在下一次再討論。
在此之前,祝新思路順利愉快!
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2018week 3學習心得
1.參加一個組織的高層會議,一點不成熟的想法,請指教。
如何改造稍有規模的組織?汰弱留強。
儘可能好好認識裡面的人,把權利給優秀者,把平庸者降權甚至拔掉,讓良幣驅劣幣。
太多組織藏了平庸的既得利益者和被打壓的優秀年輕人。把這種無效率的狀況解決,成果應能改善不少。
這招應可用在大部分行業(雖然執行上難度不同),不需太懂該產業的專業知識,因為優秀者自然會給出正確的方向與有效的執行。之後則需要定期監督,確保當權者能繼續保持優秀不墮落。
多花時間在深入了解該組織的成員與增進個人的識人能力。
2.認識核災,此文章有比較完整的幾次核災簡介
http://zh.nuke.wikia.com/wiki/%E7%A6%8F%E5%B3%B6%E6%A0%B8%E7%81%BD%E7%B0%A1%E4%BB%8B
台灣人親訪車諾比,說核災沒有想像中恐怖
http://www.storm.mg/lifestyle/269074
但看完車諾比核災紀錄片,傷亡應該有被官方低估,加上後續得癌症的,死亡人數應該有上萬人,很多是衝進去救災清理的軍人。
https://www.bilibili.com/video/av1998321/
不過車諾比核災是戰鬥民族做了太多白目的事,要再發生不太可能。
這部最後有個提醒,核彈比這些核災都恐怖太多了,難怪巴菲特說只有核彈可以傷害波克夏...難怪老巴反川普...怕他惹毛 金三胖XD
也看了福島核災紀錄片,這部蠻認真還原的,訪問了當時幾百人還有核能專家,討論了一連串的人為失誤,例如水位器和SR閥的設計不良,冷卻裝置被錯誤關停(40年從沒演練過,操作員不知道實際狀況是怎樣)、備用電池沒法及時運送支援、注水冷卻沒想到有條致命的管道分支...這種壞狀況同時發生就像蒙格講的魯拉帕魯薩效應...(其實最早東京電力為了省成本不蓋高牆擋海嘯就錯了)
不過當時好幾台同時都有問題,指揮官要對每個回報做出正確的反應也確實不容易...只能說平時就要反覆做最極端的黑天鵝演練。
https://www.bilibili.com/video/av4495286/
第三集看到一個小細節,危及發生時,有許多員工想跑了,有位長官不是破口大罵,而是很有誠意的請求他們留下來幫忙,佩服其EQ。
前兩個月想靠機器人進去反應爐拿出鈾燃料棒,有了點進展
http://technews.tw/2017/11/22/manbo-robot-exploring-the-primary-containment-vessel-of-reactor-3-at-the-fukushima-power-plant/
如果廢核,那就要想辦法用其他方法補,目前最穩定的還是火力,燒煤最便宜,但CO2最多。
廢氣吸到非常傷身,而且溫室效應還會造成飢荒。
比爾蓋茲想辦法減CO2。
https://www.ted.com/talks/bill_gates/transcript?language=zh-cn
CO2排放量 = P x S x E x C
P是人口數量。
S是每人使用服務量。
E是每服務使用能源量。
C是每能源排放CO2量。
P、S只會一直變大,E可以透過發電效率改善,但有限。所以重點還是C。
蓋茲正在研發第四代核電,可以直接燒核廢料,不用像舊式核能發電,要一直裝填或運出廢料,增加風險。
https://www.cw.com.tw/article/article.action?id=5086508
3.看完成為臉書,未來連結世界只會愈來愈緊密,但要溝通,最基本的語言還是英文,再加上週認識了一群普林斯頓大學校友,他們人都很好,但劈哩啪啦的講,我常常只能乾笑,錯失了深入交談的機會...該好好學英文...從聽力開始,講的爛是一回事,但如果聽都聽不懂,那真的沒轍。
4."成為臉書"講了一個很大的重點,要讓員工的工作內容能發揮對方的強項,避開其弱項,最好的狀態是能發揮該員工的獨特技能,又很有挑戰性,這樣員工就會達到"心流"狀態。當員工每個人都知道他待的崗位是他超級適合的位置,那整間公司就會非常團結與有使命感。 人並不是都全看錢辦事,一份工作讓他開不開心,有沒有成就感也是很重要的考量。
5.昨天見了兩位身價可能都超過10億的老闆,在他們面前解釋葛拉漢跟巴菲特...第一次講投資這麼緊張...還好沒掉漆...交朋友最快最好的方法...真誠待人。最近看到朋友討論為什麼有灌酒應酬的文化...其實要談生意,真誠最重要,那種想要你陪他喝酒才給你生意的人,這種生意最好也不要...
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